Szenen proben, wenn die Sprache nicht deine erste ist

Ich bin mit Dänisch aufgewachsen. Der Großteil meiner professionellen Arbeit läuft auf Englisch. Dieser Abstand zwischen der Sprache, in der ich denke, und der Sprache, in der ich spiele, hat fast alles daran geprägt, wie ich probe.

Wenn du in einer Sprache arbeitest, die nicht deine erste ist, und in Skandinavien tun das fast alle irgendwann, kennst du diese spezielle Anspannung. Es geht nicht nur darum, die Wörter richtig hinzubekommen. Es geht darum, in der Szene so zu klingen, als würdest du dazugehören. Als wären die Worte deine eigenen, nicht geliehen.

Das hier ist, was ich herausgefunden habe, meistens auf die harte Tour. Die allgemeinen Probetechniken im vollständigen Leitfaden zum Alleine-Proben gelten weiterhin. In diesem Beitrag geht es um die zusätzliche Schicht, die du trägst, wenn die Szene in deiner Zweitsprache ist.

Die Aussprache-Falle

Der häufigste Fehler zweisprachiger Schauspieler: Sie stecken die ganze Probezeit in die Aussprache. Du übst die Laute, glättest die Vokale, flachst die Melodie deiner Muttersprache ab, bis du akzeptabel neutral klingst. Und dann gehst du in den Raum und lieferst einen technisch sauberen Read ohne jede Figur darunter.

Akzentarbeit ist wichtig. Aber sie ist kein Spielen. Wenn du neunzig Minuten mit deinem amerikanischen R verbracht hast und null Minuten damit, was deine Figur will, hast du das Falsche vorbereitet. Ein Casting kann mit einem leichten Akzent arbeiten. Mit einer leeren Vorstellung nicht.

Mein Ansatz ist inzwischen, das zu trennen. Aussprache mache ich getrennt, im Auto, beim Kochen, einfach um meinen Mund an die Laute zu gewöhnen. Die eigentliche Szenenprobe dreht sich um Figur, Absicht und Beziehung, genau wie in meiner Muttersprache. Der Akzent ist eine Schicht obendrauf, kein Fundament.

In der Sprache denken

Es gibt eine Phase beim Sprachenlernen, in der du aufhörst, im Kopf zu übersetzen, und anfängst, direkt in der Zweitsprache zu denken. Fürs Spielen musst du das für den Dialog deiner Figur erreichen, auch wenn du im Alltag noch nicht so weit bist.

Prob nicht so: die Zeile auf Englisch lesen, sie auf Dänisch verstehen, die Antwort zurück auf Englisch übersetzen. Dieser Loop ist zu langsam. Bis du ihn durch hast, ist der Moment vorbei.

Bleib von Anfang an in der Aufführungssprache in der Szene. Wenn du die Bedeutung von etwas nachschlagen musst, schlag einmal nach, dann leg die Übersetzung weg. Bleib in der Sprache.

Die anderen Zeilen gesprochen hören

Hier entsteht ein eigenes Probeproblem, wenn du in einer Zweitsprache arbeitest. Wenn du die Zeilen der anderen Figur still liest, hörst du sie in deinem eigenen Akzent, in deinem eigenen Tempo, mit deinen eigenen rhythmischen Mustern. In der Aufführung aber hörst du sie von einem Muttersprachler gesprochen, mit einer ganz anderen Musik.

Der Rhythmus von Englisch ist nicht der von Dänisch, Schwedisch oder Norwegisch. Die Betonungen fallen anders. Wenn du die Szene nur im eigenen Kopf gehört hast, kann es dir beim ersten Mal mit einem echten Sprecher den Boden wegziehen. Plötzlich klingen die Stichworte anders als geprobt, und du liegst für den Rest der Szene einen halben Beat hinterher.

Deshalb ist es in einer Zweitsprache noch wichtiger, den Dialog während der Probe laut gesprochen zu hören. Ein muttersprachlicher Probenpartner ist ideal. Eine Probe-App wie blablabla funktioniert auch gut, du hörst die Zeilen der anderen Figuren in der Aufführungssprache, was dein Ohr für den Rhythmus schult, dem du dann am Set begegnest.

Bedeutung vor Genauigkeit

Jedes Phonem zu perfektionieren ist weniger wichtig, als jede Zeile zu verstehen. Ich habe Schauspieler erlebt, die ihren Text mit makelloser Aussprache gesprochen haben und dann während der Zeilen der anderen Figur leer wurden, weil sie nicht wirklich verstanden haben, was ihnen gesagt wurde. Sie haben Laute auswendig gelernt, ohne die Bedeutung aufzunehmen.

Bevor du dir Gedanken machst, wie du etwas sagst, stell sicher, dass du genau weißt, was du sagst. Geh die ganze Szene durch und prüf jedes Wort, jeden Ausdruck, jede kulturelle Anspielung. Englisch ist voll von Wendungen, die sich nicht direkt übersetzen lassen. Wer die im Kopf wörtlich spielt, verpasst die Szene. Die Szenenanalyse hat hier doppelten Nutzen: Die Bedeutungsarbeit und die Spracharbeit fallen in einen Durchgang zusammen.

Körpersprache ist universell

Wenn sich die Wörter fremd und steif im Mund anfühlen, gehe ich zurück zum Körper. Die Szene körperlich spielen, Gesten, Bewegung, Atem, ohne zu sprechen. Dann die Wörter wieder dazulegen. Das verwurzelt das Spiel in etwas, das nicht von Sprachkompetenz abhängt. Der Körper weiß, was er tut, auch wenn der Mund noch unsicher ist.

Das Vertrauensproblem

Es gibt eine emotionale Seite am Spielen in einer Zweitsprache, über die niemand genug spricht. Du fühlst dich bloßgestellt. Du hast Angst, dumm zu klingen, kindlich, oder dass dein Wortschatz zu klein ist. Diese Unsicherheit kann dich dazu bringen, auf Nummer sicher zu gehen. Klein. Leise.

Kämpf gegen diesen Impuls. Das Casting hat dich nicht trotz deines Akzents reingeholt, sondern wegen dem, was du als Schauspieler bist. Steh zu der Sprache, die du hast. Versteh die Szene tief genug, dass die Wörter sich wie deine eigenen anfühlen, auch wenn sie aus einem anderen Teil deines Gehirns kommen als deine Muttersprache.

Der Akzent wird immer da sein, wenigstens ein bisschen. Das Spiel ist das, was die anderen ihn vergessen lässt.