Szenen proben, wenn die Sprache nicht deine erste ist

Ich bin mit Dänisch aufgewachsen. Der Großteil meiner professionellen Arbeit läuft auf Englisch. Dieser Abstand zwischen der Sprache, in der ich denke, und der Sprache, in der ich spiele, hat fast alles daran geprägt, wie ich probe.

Wer in einer Sprache arbeitet, die nicht seine erste ist, kennt diese spezifische Anspannung. In Skandinavien machen das fast alle irgendwann. Es geht nicht nur darum, die Wörter richtig hinzubekommen. Es geht darum, in der Szene so zu klingen, als ob man dort hingehört. Als ob die Worte einem selbst gehören, nicht geliehen sind.

Das hier ist, was ich herausgefunden habe, meistens auf die harte Tour. Die allgemeinen Probetechniken im vollständigen Leitfaden zum Alleinproben gelten weiterhin. Dieser Beitrag ist für die zusätzliche Schicht, die man trägt, wenn die Szene in der Zweitsprache ist.

Die Aussprache-Falle

Der häufigste Fehler, den zweisprachige Schauspieler machen: Sie verbringen die gesamte Probezeit mit Aussprache. Man übt die Laute, glättet die Vokale, flacht die Melodie der Muttersprache ab, bis man akzeptabel neutral klingt. Und dann geht man in den Raum und liefert einen technisch sauberen Read ohne jede Figur darunter.

Akzentarbeit ist wichtig. Aber sie ist kein Spielen. Wenn man neunzig Minuten mit dem amerikanischen R verbracht und null Minuten damit, was die Figur will, dann hat man das Falsche vorbereitet. Ein Casting kann mit einem leichten Akzent arbeiten. Mit einer leeren Vorstellung nicht.

Mein Ansatz ist inzwischen, das zu trennen. Aussprache mache ich separat, im Auto, beim Kochen, einfach um den Mund an die Laute zu gewöhnen. Die eigentliche Szenenprobe dreht sich um Figur, Intention und Beziehung, genau wie in meiner Muttersprache. Der Akzent ist eine Schicht obendrauf, kein Fundament.

In der Sprache denken

Es gibt eine Phase in der Sprachentwicklung, wo man aufhört, im Kopf zu übersetzen, und direkt in der Zweitsprache zu denken beginnt. Fürs Spielen muss man das für den Dialog der Figur erreichen, auch wenn das im Alltag noch nicht so ist.

Nicht so proben: die Zeile auf Englisch lesen, sie auf Dänisch verstehen, die Antwort zurück auf Englisch übersetzen. Dieser Loop ist zu langsam. Bis man ihn durchgegangen ist, ist der Moment vorbei.

Von Anfang an in der Aufführungssprache in der Szene bleiben. Wenn man die Bedeutung von etwas nachschlagen muss, einmal nachschlagen, dann die Übersetzung weglegen. In der Sprache bleiben.

Die anderen Zeilen gesprochen hören

Hier entsteht ein spezifisches Probeproblem beim Arbeiten in einer Zweitsprache. Wenn man die Zeilen der anderen Figur still liest, hört man sie im eigenen Akzent, im eigenen Tempo, mit den eigenen rhythmischen Mustern. In der Aufführung aber hört man sie von einem Muttersprachler gesprochen, mit einer vollkommen anderen Musikalität.

Der Rhythmus von Englisch ist nicht der von Dänisch, Schwedisch oder Norwegisch. Die Betonungsmuster fallen anders. Wenn man die Szene nur im eigenen Kopf gehört hat, kann es einem beim ersten Mal mit einem echten Sprecher den Boden wegziehen. Plötzlich klingen die Stichwörter anders als geprobt, und man liegt für den Rest der Szene einen halben Beat hinterher.

Deshalb ist es beim Arbeiten in einer Zweitsprache noch wichtiger, den Dialog während der Probe laut gesprochen zu hören. Ein muttersprachlicher Probenpartner ist ideal. Eine Probe-App wie blablabla funktioniert auch gut, man hört die Zeilen der anderen Figuren in der Aufführungssprache, was das Ohr für den Rhythmus schult, den man dann am Set begegnet.

Bedeutung vor Genauigkeit

Jedes Phonem zu perfektionieren ist weniger wichtig als jede Zeile zu verstehen. Ich habe Schauspieler erlebt, die ihren Text mit makelloser Aussprache gesprochen haben und dann während der Zeilen der anderen Figur leer wurden, weil sie nicht wirklich verstanden haben, was ihnen gesagt wurde. Sie haben Laute auswendig gelernt, ohne die Bedeutung aufzunehmen.

Bevor man sich Gedanken macht, wie man etwas sagt, sicherstellen, dass man genau weiß, was man sagt. Die gesamte Szene durchgehen und jedes Wort, jeden Ausdruck, jede kulturelle Referenz prüfen. Englisch ist voll von Wendungen, die sich nicht direkt übersetzen. Wer die im Kopf wörtlich spielt, verpasst die Szene. Szenenanalyse hat hier doppelten Nutzen: Die Bedeutungsarbeit und die Spracharbeit fallen in einem Durchgang zusammen.

Körpersprache ist universell

Wenn sich die Wörter fremd und steif im Mund anfühlen, gehe ich zurück zum Körper. Die Szene körperlich spielen, Gesten, Bewegung, Atem, ohne zu sprechen. Dann die Wörter wieder dazulegen. Das verwurzelt das Spiel in etwas, das nicht von Sprachkompetenz abhängt. Der Körper weiß, was er tut, auch wenn der Mund noch unsicher ist.

Das Vertrauensproblem

Es gibt eine emotionale Dimension am Spielen in einer Zweitsprache, über die niemand genug spricht. Man fühlt sich bloßgestellt. Man hat Angst, dumm zu klingen, kindlich, oder dass der Wortschatz zu begrenzt ist. Diese Unsicherheit kann dazu führen, dass man auf Nummer sicher geht. Klein. Leise.

Gegen diesen Impuls ankämpfen. Das Casting hat einen nicht trotz des Akzents reingeholt, sondern wegen dem, was man als Schauspieler ist. Die eigene Sprache besitzen. Die Szene tief genug verstehen, damit die Wörter einem selbst gehören, auch wenn sie aus einem anderen Teil des Gehirns kommen als die Muttersprache.

Der Akzent wird immer da sein, wenigstens ein bisschen. Das Spielen ist das, was die anderen vergessen lässt.