很多演員把獨白當成少了對手的場景來排。這是第一個錯誤。場景是打網球，獨白是對著空場地發球，你必須在腦子裡想像球彈回來的樣子。
準備方式不一樣。不見得更難，雖然常常讓人有這種感覺。之所以不同，是因為你平常依賴的那些結構，提詞線、對方的反應、對方帶來的能量，都不在了。你得自己把這些結構搭起來。
找到你在跟誰說話
每一段獨白都有對象。哈姆雷特不是在跟觀眾說話，他在跟自己說、跟上帝說、跟死亡這個概念說。馬克白夫人在跟精靈說話。艾德蒙在跟自然說話。
在做任何準備之前，先回答這個問題：我在跟誰說話？他們在哪裡？他們在這個房間嗎？在我的記憶裡？還是台下那群人在假裝扮演某個人？
然後是更難的問題：他們的反應是什麼？如果你在對一個就站在你面前的人說這段獨白，他們怎麼回應？是退縮？生氣？變冷了？試鏡時你得不到這些反應，所以要在排練時把它建在想像裡。把他們看見，讓他們的回應影響你接下來的每一個選擇。
這是區分平板獨白和有生命的獨白最關鍵的一件事。沒有選定具體說話對象的演員，最後都在把台詞朝著空氣射出。眼神就死了。鏡頭立刻看得出來。
拆成段落
頁面上看起來像一堵文字牆的獨白，幾乎肯定不是真的如此。裡面有轉折，有論點改變方向的時刻，有角色換策略的地方，有什麼事情落定而情緒的地基跟著移動的瞬間。
找出這些轉折，做標記。我習慣在思路改變方向的地方橫畫一條線。大多數獨白有三到六個段落，有些更多。
這樣你面對的就不再是一段冗長的獨白，而是一系列較小的時刻，每個都有各自的意圖。幫助背台詞的分段方法在這裡更加關鍵，因為缺乏內在結構的獨白，就只是一個人在朝你說話。
每個段落都需要一個動詞。你在這個部分做什麼？懇求？威脅？回想？說服自己？動詞一變，段落就換了。這就是你的地圖。
讓身體動起來
大多數演員獨自排練獨白時會發生這件事：他們站在房間中央，不動。排場景時，對手的肢體會把你帶著在空間裡移動。你靠近、退後、轉身。沒有那個人在，你就凍住了。
對抗它，刻意地對抗。
試試看邊走邊說獨白。不是踱步，是帶著目的地走，像是你要去某個地方。身體的動力會改變你的表達方式，這件事光坐著是沒辦法感受到的。試試坐在地板上說。試試躺著說。試試邊洗碗邊說。
我不是說要用這個方式表演。我是說身體會找到大腦找不到的東西。一句你已經用同一種方式說了一個小時的台詞，在你蹲下來說的時候突然聽起來不一樣了。你發現某個段落需要靜止，因為你一直在動，靜下來就像一個選擇，而不是預設的狀態。
獨白的肢體陷阱在於：站著不動感覺很中性。其實不是。看起來很僵、很緊、很鎖死。靜止應該是你在某個特定時刻的選擇，不是因為沒有人在旁邊就自然落進去的狀態。
錄下來。看。
排場景時，我覺得錄影有用但不是必須，跟夥伴或排練 App 一起做能學到更多。但排獨白，錄影是必要的。
架好手機，把獨白說一遍，回放來看。
鏡頭揭露的獨白問題，是你從內部感受不到的。眼神死掉了。下巴鎖緊了。同樣的手勢重複了四次。有個時刻你失去專注，看向了虛空。反覆重心偏移，看起來像緊張而不是意圖。
你會討厭看自己。每個人都這樣。還是看。然後再說一次，只改一件事。不是所有事，一件事。一直飄向臉的那隻手。眼神往下看的那個段落。看起來像死點的那個段落轉換。
每條只改一件事。四五條之後，你的表演會有實質上的不同，而每個改變都會是具體的，不是模糊的。
當獨白藏在場景裡
有些獨白是獨立存在的，試鏡用的選段、比賽選段、獨立的古典作品。但很多獨白是嵌在場景裡的。你的角色有兩頁的台詞，但前面還有十頁的對白，後面還有四頁。
如果是這種情況，不要把獨白單獨抽出來排。你需要圍繞它的脈絡。剛才發生了什麼？另一個角色最後說的那句話是什麼？你在前十頁已經一路積累到了什麼情緒狀態？
這就是聽到周圍對白很重要的地方。用 blablabla，你可以匯入完整場景，聽到其他角色在你的獨白前的台詞，這樣你到達獨白時已經在對的情緒位置，而不是從零開始冷啟動。獨白在你已經活過了製造它的那場戲之後，打出來的力道完全不同。
觀眾的問題
獨白特有的一件事，很少人說夠。排場景時，你可以想像另一個角色。排獨白時，你常常需要想像觀眾，這比想像一個人更難。
觀眾是一個群體，有集體的能量，會移動，不是一個人帶著一種反應。誘惑是：對著這個想像中的群體演，讓自己更大、更響、更劇場。
抵抗它。就跟一個人說話。就算獨白技術上是在對一群人說，也在想像裡選一張臉，跟那個人說。換段落的時候可以換你在說話的臉，但永遠要有一雙具體的眼睛讓你去對視。親密感會放大，泛泛而談不會。
我看過最好的獨白表演，都有一個共同的質地：讓我覺得我在旁聽一件私事，不是在看一場表演，而是在偷聽一個人出聲地思考。這才是要排練的方向，不是音量，不是強度，而是那種無論有沒有人看，這段話都會發生的感覺。
獨白是獨自排練這幅拼圖的一塊。完整的全貌，包括場景、背台詞、selftape、冷讀，可以看獨自排練的完整指南。
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